昨天，我去了一趟《英雄联盟》的祖安
廉颇
2026-01-27
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作者：廉颇
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浸入双城
《英雄联盟：双城之战》无疑是游戏改编影视，乃至游戏IP渗透出圈案例的里程碑式作品——2021年末，大街小巷传唱的“双城之战”中文版主题曲《孤勇者》就是最好的案例，从脍炙人口听到耳朵起茧，下至垂髫小儿上至父母长辈都能来上两句“褴褛的披风”；英文版那边，梦龙乐队创作的《Enemy》在YouTube上的播放量，更是达到了4.7亿这一夸张数字，堪称现象级。
刚刚在上海宾馆辅楼开演的“浸入式音乐秀”《双城之战》，就是这股巨浪延续到今天的末梢，其六天的内测票开售仅仅一分钟就被抢空，我借了媒体编辑这层身份的光，才侥幸拿到一张内测票，足以窥见当年“双城”火爆程度的一角……
但说实话，直到真正来到现场前，我都不知道所谓的“浸入式音乐秀”到底是什么东西——说来惭愧，作为一个臭打游戏的，这辈子别说“浸入式音乐秀”了，就连正经的音乐剧都没有听过一回，去剧场看戏的经历更是寥寥无几，此次前来，也完全只是对“英雄联盟：双城之战”的衍生作品感兴趣而已。
我只知道它的主题是“英雄联盟：双城之战”，里面大概率包含许多剧集的原声音乐，至于“浸入式”——当年《阿凡达3D》火的时候，商场里冒出了一大票4D、5D、8D的所谓沉浸式电影，主人公挨打了椅子会晃，下雨了天花板的喷头会吐点儿水雾，兴许也就是如此吧。
当时的我是这么想的——直到我在纤毫毕现的“祖安”酒店布景里，戴着象征“旁观者”的鸟嘴面具，喝起“微光药剂”外观的起泡酒，才意识到事情绝非如此简单。
“沉浸式戏剧”这一极为新颖的概念，最早可追溯到2000年前后，由英国剧团Punchdrunk提出并逐渐构筑成型。在这一戏剧形式中，观众不再只是坐在观众席上的看客，而是亲自走入一片包含着布景、舞台、演员的空间中，进行探索——换句话说，你可以像打游戏时开启“拍照模式”那样，360度全景式无死角地来到演员身边的任何位置进行观看，哪怕脸贴脸、肩并肩。
并且，“沉浸式戏剧”通常会在同一时间线内布置复数的故事线，观众可以选择跟随不同的角色，观看其专属的故事线——而与此同时，他们便会无缘另外的故事线，就像是在玩一款有线路分支的AVG游戏那样，为这种戏剧增添了极大的“可重复游玩”价值。
由“沉浸式戏剧”祖师Punchdrunk联合创制的《双城之战》，也是如此——尽管其剧本长度、登场角色数量与路线分支选择并没有多到与以《麦克白》为基底的《不眠之夜》那般夸张，但其底层无疑是纯正的“沉浸式戏剧”基因。
所以，在“浸入”戏剧之前，所有观众都需要将手机等电子产品存放在保管袋中，并戴上象征着“旁观者”身份的鸟嘴面具——在整场表演中，只有剧中角色会露出真容，所有破坏沉浸感的干扰因素，都将被尽可能剥离，而被剥离了“参与者”属性，戴上面具的观众也能最大限度地贴近故事发生的最近处，进行观赏。
《双城之战》的演艺空间分为上下两层。在本次体验中，我基本全程行走于象征着祖安的下层——在这里，我们能看到地下黑医的诊所、炼金术师的工坊，看到希尔科是如何一步步萌生出“和皮城爆了”的想法，范德尔为何与希尔科分道扬镳，他的家人们身上又发生了怎样的故事。
与原作相比，《双城之战》在剧情上进行了一定的凝练——他们将剧情浓缩于几个关键的节点上，如范德尔与希尔科的理念冲突、希尔科和马可斯勾结的过程，交代了许多原作中需要花大篇幅梳理的剧情。对没有看过原作的观众而言，或许可能有些跳脱而难以理解，但对原作观众而言，这些都是绝佳的剧情补充。
若是在故事早期的节点选择“上楼”，观众就会来到象征着进步之城皮尔特沃夫的舞台二层，并体验到和祖安故事线完全不同的“皮城线”，欣赏薇和凯特琳建立羁绊的过程，了解杰斯、维克托和梅尔等人的故事……可惜，鱼和熊掌不可兼得，只能待以后有机会多刷时才能体验了。
在皮城与祖安各自的剧情线结束后，两条故事线就会在舞台的中央，一个360度视角的双层圆形剧场交汇，选择“祖安”线的观众在下方舞台，选择“皮城”线的则在上方舞台，两边剧情同步开演。
刚刚，观众是以相同的视角（贴身视角）看不同的戏；现在，我们又要用不同的视角，来看同样的戏了——上层的观众能更清晰地看到薇如何奔向祖安的金克丝，而下层的观众则离金克丝更近，能看到薇从皮尔特沃夫赶来……一来一回，又是完全不同的体验。
值得一提的是，由于视角的拉近，作为旁观者的我们能最大限度地观察演员面部的表情，台词中隐藏的动摇之类容易在“观众席视角”下被忽视的细节——例如金克斯与薇重逢时脸上微妙的表情变化，凯特琳等皮城人在对祖安人说话时流露出的傲气，范德尔被强制狂化前一刻的微小挣扎……
而这，也对演员的综合素养提出了极高的要求。
不仅是常规的演技、表情、台词功底，作为音乐剧，许多场景还要求演员边演、边打、边跳、边唱，在一些场景中，他们甚至需要进行无伴奏、无扩音的清唱。而作为《英雄联盟：双城之战》的衍生剧，剧本中也包含了大量的打戏，其中更是有不少高速镜头需要用到慢动作、吊威亚等手法，来确保张力……
对演员来说，戏剧本身就是比电影、电视剧更严苛的考验——因为戏剧没有Cut、没有补拍，也没有提词器，观众见证的是你每时每刻的演技，而不是导演要求你演出的某个镜头。《双城之战》这样的沉浸式戏剧，就更是有过之而无不及了，几十双眼睛在最近的距离盯着你，审视你的每一处演技，压力不可谓不大。
好在，《双城之战》的演员们绝非等闲之辈，他们几乎是以完美的表现兜住了上述的所有考验，即便在如此近的视角下，演员们的念白、表情、情绪爆发，都做到了几乎无可挑剔。例如金克丝，她的精髓就在于那股子疯劲儿——她是个疯子，有医生开的证明，不论是语气与动作，还是表情与步态，都带着浓厚的疯感。
但演员又决不能真的把金克丝演成完全的疯子——虽然她确实精神分裂，原作中也有不少她第一视角下关于幻象的描写，但她的内心也是满溢着情感且纤细的，与薇重聚时的感动和发现凯特琳时的妒火，对希尔科和范德尔两个“父亲”的情感，都不能简单地用“疯”字一笔带过。
所以，我们就能清楚地看到，《双城之战》中的金克丝在大部分时候——尤其是战斗时，是真情流露的“真疯”。但到了她面对薇、希尔科、狂化范德尔等角色时，她又会流露出不同于以往的“叠加态”，比如与薇的前几场对手戏，她的疯癫里就多了一层“我不是爆爆、我是金克丝”的表演感……若不是在现场以极近距离观看，这种微妙的差别确实难以捕捉。
另外，作为“浸入式音乐剧”，《双城之战》的听觉体验也是超一流的。
和游戏、影视一样，整场戏剧全程都配有符合时宜且足够抓耳的背景音乐与环境音效，它们承担的作用不仅是塑造氛围，更是对观众的某种“指引”——当背景的某处响起音乐，或是传来摔杯声、尖叫声时，人潮就会自然地向声音的源头涌去。比起告示牌或者工作人员的提示，这样的指引既无形，又优雅。
而当角色需要展现内心独白时，他们也往往会采用歌唱、舞蹈的方式进行表达。
正如前面所说，演员的唱功相当在线，动作基本功也很到位，以至于你并不会觉得演员突然开始唱歌、舞蹈，是一件很“尬”的事情——正如很少会有人觉得《冰雪奇缘》等迪士尼影视中的公主角色突然开始唱歌奇怪那样，在强大的气氛感染下，你反而会浸入其中，流连忘返。
不仅如此，《双城之战》还包含了玩家、观众耳熟能详的诸多名曲——陈奕迅的《孤勇者》、2014年全球总决赛主题曲《Warriors》、2017的《Legends Never Die》、梦龙的《Enemy》、原剧的片尾曲《What Could Have Been》……其中，不少是原汁原味，但也有相当一部分经过了符合情景与角色心境的重新填词和再演绎。
不论是“原唱”还是“翻唱”，当熟悉的旋律响起，总会有些情绪在观众心里升起，和眼前的场景融合。
高水准的演出持续了两个小时，直到故事在金克丝和薇的又一次相遇与和解中暂时告一段落，终场歌舞演出开幕，我们才被告知手机袋的解锁密码——演出结束了。随着“旁观者”身份的解除，现场陷入了一种别样的狂热，人们纷纷拿出手机，拍摄目力能及的一切进行留念，压抑了整场的欢呼与尖叫也终于响彻舞台……
毫无疑问，浸入式音乐剧《双城之战》是一部相当杰出的作品。它不仅是一部优秀的游改作品，同时也是一部在领域内都堪称优秀的沉浸式戏剧——正如它的原作《英雄联盟：双城之战》那样，不是因出圈而优秀，而是因优秀而出圈。
